Artist Statement-精神と表現の軌跡
【行（ぎょう）としての絵画 — 現在の活動】
私は自分の心を整え、世界と対話するための「日々の行」として、絵を描いています。かつての在家修行者や画僧のように、描くこと自体が私にとっての静かな祈りであり、観照の時間です。商業的な成功や名声は、二の次です。 流行に合わせた量産や安易な複製を行うことなく、大作から小さな版画まで、すべての作品を「一度きりの境地の記録」として一つひとつ大切に制作しています。
以下は、私がこの「行としての絵画」を制作しながら歩んだ、精神と表現の変遷の記録です。
【初期：個の確立と内なる自然の発見（1990年代〜）】
初期の活動は、自律した個人としての表現を獲得するための模索でした。自らの等身大をキャンバスに映し出すため、画材との対話の中から「スクラッチとハッチング」という独自の手法に辿り着きました。それは画面上のオートマチック・ドローイングとなり、無数の線を刻む行為は、自らの「内なる自然」を掘り起こし、命の時間を視覚化する儀式となりました。
【転換期：他者との共存と社会への眼差し（2012年〜）】
東日本大震災後、長野県への移住を機に、作家個人の孤独な制作から、支援者や鑑賞者と「共に制作する（存在を補完し合う）」という新たなフェーズに入りました。この時期、自身の表現活動そのものを「社会彫刻（ヨーゼフ・ボイスの概念）」と捉え、誰もが自由にアートを選び取れる社会を目指す実験的なアプローチを試みました。この社会的な視点と実践が、現在の独立したアーティストとしての基盤を作りました。
【軽井沢での深化：圧倒的な自然との対話（2017年〜）】
アトリエを軽井沢へ移してからは、人間社会の概念を超えた「圧倒的な自然の摂理」と向き合う日々が始まりました。 氷柱を透して見る蒼い空、早朝の窓に輝く雪の結晶、凍りつく霧の煌めき。ミクロの細部が構築する驚異的な幾何学構造と、それが何の虚飾もなく「必然の姿」としてそこに在るという奇跡。この厳しくも美しい自然の中で越冬し、共に生きる時間が、私の作品から作為を削ぎ落とし、純粋な自然の律動を画面に定着させることへと繋がっていきました。（この時期の作品『雪波』などは、横須賀美術館「驚異の細密画展」等でも展示されました。）
【海外展開と原点回帰：「遠くへ」と「室内へ」の祈り（2024〜）】
軽井沢での自然との共生を発信することで、アメリカ・サンタフェのギャラリー（GAIA Contemporary）と繋がり、海外市場へと表現の場を広げました。しかし2025年末、ギャラリーオーナーの急逝という大きな別れを経験します。 この深い喪失とアメリカでの経験を経て、2026年、私は大きな決断を下しました。美術館などの「パブリック」な空間へ向けた大作の制作を続ける一方で、もう一度原点に立ち返り、個人の日常空間に静かな調和をもたらす「プライベートな室内アート（小品や版画）」を、アメリカのギャラリーと連携しながら、作家自身の直営（eコマース）からオンデマンド試送販売によって、直接お届けするという体制への回帰とバージョンアップです。
【そして現在へ : ARTのある地球へ】
また2026年には、自身の制作の枠を超え、多様なアーティストの作品を紹介・販売するプロジェクト「ARTのある地球（EARTH）」（art.earthkikaku.com）を始動させました。
これらすべての変遷と経験——社会との関わり、自然との対峙、そして大きな喪失と決断——を経て、私は現在、「ただ日々の行としてキャンバスに向かう」という静かな境地にあります。商業的なフィルターを通さず、純粋な精神の結晶を、作家のアトリエから直接皆様の元へお届けし続けていきます。
Artist Statement –
The Trajectory of Spirit and Expression
[Painting as a Practice — Current Activities]
I paint as a daily practice to center my mind and engage in a dialogue with the world. Like the lay practitioners and painter-monks of the past, the act of painting itself is a quiet prayer and a time of contemplation for me. Commercial success and fame are secondary. Rather than chasing fleeting trends or mass-producing, I carefully create each piece—from large canvas works to small prints—as a “singular, once-in-a-lifetime record of my state of mind.”
Below is a record of the spiritual and expressive trajectory I have walked while dedicating myself to this “painting as a practice.”
[Early Years:
Establishing the Individual and Discovering Inner Nature (1990s–)]
My early activities were a quest to establish my expression as an autonomous individual. To reflect my true, life-sized self on the canvas, I engaged in a dialogue with my materials, which led me to the unique technique of “scratching and hatching.” This became an automatic drawing on the surface; the act of carving countless lines became a ritual to unearth my “inner nature” and visualize the time of life.
[Turning Point:
Coexistence with Others and a Social Perspective (2012–)]
Following the Great East Japan Earthquake and my relocation to Nagano Prefecture, I entered a new phase: shifting from solitary creation to “co-creating” (complementing each other’s existence) with supporters and viewers. During this period, I viewed my expressive activities as “social sculpture” (a concept by Joseph Beuys) and experimented with approaches aimed at creating a society where anyone could freely choose art. This social perspective and practice formed my foundation as the independent artist I am today.
[Deepening in Karuizawa:
Dialogue with Overwhelming Nature (2017–)]
After moving my studio to Karuizawa, my days of confronting the “overwhelming providence of nature”—which transcends human concepts—began. A fragment of blue sky seen through an icicle, snowflakes sparkling on a window in the early morning, the glittering of freezing fog. The miraculous geometric structures built by microscopic details, existing simply as an “inevitable form” without any pretense. The time spent surviving the winters and living alongside this harsh yet beautiful nature stripped the artificiality from my work, allowing me to anchor the pure rhythms of nature onto the canvas. (Works from this period, such as “Snow Waves,” were highly acclaimed and exhibited at the Yokosuka Museum of Art’s “Amazing Miniature Paintings” exhibition.)
[Overseas Expansion and Return to the Origin:
Prayers for the “Distant” and the “Interior” (2024–)]
Sharing my coexistence with nature in Karuizawa connected me with GAIA Contemporary, a gallery in Santa Fe, USA, expanding my stage to the overseas market. However, at the end of 2025, I experienced a profound parting with the sudden passing of the gallery owner. Through this deep loss and my experiences in the US, I made a major decision in 2026. While continuing to create large-scale works for ‘public’ spaces like museums, it is both a return to my roots and a systemic upgrade: delivering ‘private interior art’ (small pieces and prints)—which brings quiet harmony to personal, everyday spaces—directly to you from my own e-commerce platform via an on-demand trial delivery system, all while maintaining a collaborative relationship with my US gallery.
[And Now : To the Earth with ART]
Also in 2026, transcending the boundaries of my own creation, I launched “EARTH with ART” (art.earthkikaku.com), a project and platform to introduce and sell works by a diverse range of artists.
Through all these transitions and experiences—engaging with society, confronting nature, navigating profound loss and making crucial decisions—I have now reached a quiet state of mind where I “simply face the canvas as a daily practice.” Without passing through commercial filters, I will continue to deliver the crystals of pure spirit directly from the artist’s studio to you.